I SETTE ARTISTI LEGGENDARI DA NON PERDERE ALLO SPETTACOLO
Scopri di più su luminari importanti presto in mostra, dalla pionieristica scultrice brasiliana Lygia Clark al famoso pittore tedesco Gerhard Richter.
Isaac Julien alle Gallerie Nara Roesler, stand H15
Il fatto che l’Harlem Renaissance – un’esplosione della creatività nera iniziata nella New York degli anni ’20 – continui a ispirare gli artisti di oggi è la testimonianza del suo grande significato. Nel 1989, l’artista britannico Isaac Julien ha ottenuto il riconoscimento con il suo film Looking for Langston, un’esplorazione dello scrittore dell’era del Rinascimento di Harlem Langston Hughes. Julien torna sui temi dell’epoca con un altro film, Ancora una volta… (Le statue non muoiono mai) (2022), che esamina il rapporto tra Alain Locke, figura centrale del movimento, e un ricco collezionista. Presentata alla Whitney Biennial 2024, una fotografia della serie collegata è stata recentemente acquisita dal Pérez Art Museum di Miami, mentre un’altra è in mostra presso lo stand di Nara Roesler.
Geoffrey Holder alle James Fuentes Galleries, stand F18
Per alcuni, il curriculum di Geoffrey Holder potrebbe sembrare quello di un sognatore dagli occhi stellati che snocciola una lista di lavori ideali: primo ballerino del Metropolitan Opera Ballet, costumista vincitore di un Tony, celebre pittore, cattivo di Bond e lanciatore di bibite 7UP. Ma Holder ha fatto davvero tutto. Nato a Trinidad nel 1930, si trasferì a New York, dove condusse una vita vibrante di creatività poliedrica. Nel 2024, un decennio dopo la sua morte, Victoria Miró ha ospitato una mostra congiunta a Londra di opere di Holder e del suo altrettanto affermato fratello maggiore, Boscoe. Entrambi hanno creato ritratti vividi di persone di colore, ricchi di orgoglio culturale ed esuberanza. A Miami, James Fuentes presenterà opere inedite dell’illustre carriera di Geoffrey Holder.
Rosemarie Trockel presso Sprüth Magers Galleries, booth D14
Nel 1999, Rosemarie Trockel sapeva che avrebbe avuto dei critici legati quando, come prima donna a rappresentare la Germania alla Biennale di Venezia, espose opere a maglia. Perché un mestiere tradizionalmente associato alle donne è stato mostrato in un evento così prestigioso? Quella provocazione era esattamente il suo punto. Trockel ha creato opere di lana lavorate a maglia a macchina sin dagli anni ’80, sfidando le nozioni tradizionali di arte seria utilizzando un mezzo identificato con il lavoro domestico. Da allora l’artista ha ampiamente ampliato la sua pratica, che ora spazia dalla ceramica alla fotografia, all’installazione e al collage. Indipendentemente dal mezzo scelto, le opere di Trockel racchiudono sempre le sue aree di interesse durature, tra cui la femminilità, l’autorialità e la politica del lavoro artistico.
Shirley Jaffe alle Nathalie Obadia Galleries, stand C6
La pittura modernista della metà del secolo aveva una tendenza al machismo e alla rigidità. Poteva essere tutto così serio, così rigido, e l’artista americana Shirley Jaffe non ci stava. Ha portato un senso di giocosità nei dipinti astratti, infondendo alle sue opere espressive una spontaneità libera e lirica. Anche dopo una rivelatrice residenza a Berlino nel 1996 che ha respinto un nuovo stile più grafico, Jaffe non ha mai perso il suo senso del gioco. Le forme geometriche – piatte, audaci e disposte in modo capriccioso – sembrano danzare sulla tela. Jaffe ha vissuto in Francia fino alla sua morte nel 2016 e nel 2022-23 è stata in tournée tra Parigi, Basilea e Nizza una grande mostra personale.
Gerhard Richter presso Ben Brown Fine Arts Galleries, booth H2
Negli anni ’90, Gerhard Richter era alle prese con la pittura da tre decenni. Come potrebbero coesistere figurazione e astrazione? Che ruolo ha avuto la fotografia nella politica della rappresentazione? Queste domande richiedevano concentrazione, così nel 1991 Richter si ritirò dal circuito delle gallerie per dedicarsi completamente ai suoi dipinti astratti. Usando la sua ormai iconica tecnica della spatola, ha stratificato e raschiato la vernice sulla tela, creando un’interazione dinamica di controllo e casualità. Le opere di questo periodo, come il dipinto senza titolo a olio su legno in mostra allo stand di Ben Brown, usano tonalità tenui per evocare sia la moderazione che la profondità.
George Tooker alla DC Moore Gallery Galleries, booth E3
George Tooker sapeva cosa si prova a essere soli in mezzo alla folla. I dipinti realisti meticolosamente realizzati dell’artista americano ritraggono spazi familiari – stazioni della metropolitana, cubicoli di uffici, sale d’attesa – come purgatori infestati e senz’aria. In queste scene, folle di figure con espressioni vuote e illeggibili sembrano inconsapevoli l’una dell’altra, fisicamente presenti ma emotivamente alla deriva. L’uso della tempera all’uovo da parte di Tooker, un mezzo secolare che combina il pigmento con il tuorlo d’uovo, conferiva ai suoi dipinti una qualità lucida e luminosa, intensificando la sensazione di essere intrappolati in un sogno febbrile. Al di sotto della critica dell’alienazione moderna si nasconde una tenerezza e un’empatia per i perduti e i soli.
Lygia Clark presso Alison Jacques Galleries, booth F8
Per Lygia Clark l’arte non è mai stata solo qualcosa da guardare. L’artista brasiliana credeva che l’interazione – toccare, manipolare e persino indossare materiali – fosse parte integrante dell’arte quanto l’oggetto stesso. Iniziata negli anni ’60, i suoi Bichos (Critters), erano sculture in metallo incernierate progettate per essere maneggiate e trasformate dallo spettatore, offuscando il confine tra creatore e partecipante. Negli anni ’70, Clark spinse questa idea ancora più in là, abbandonando completamente i mezzi tradizionali per esplorare l’arte come terapia. Piegare la carta, gli esercizi di respirazione e gli oggetti sensoriali sono diventati strumenti per la scoperta di sé e la guarigione.
